Melina Rubin e a pintura como lugar de pertencimento

Gaúcha de nascimento e autodidata na pintura, a artista brasileira reuniu referências da moda, do cinema, da dança e do teatro para criar uma linguagem própria. Suas telas exploram o que sentimos e mostram como a arte pode mudar a maneira como percebemos um ambiente.

Melina Cohen Rubin nasceu em 1985, em Porto Alegre, no Rio Grande do Sul. Viveu em Florença, na Itália, e seu percurso passou também por Portugal e pelo Rio de Janeiro, cidade que aparece como sua base no perfil da Saatchi Art. Na apresentação da artista para o Paseo Cultural de Ciudad Vieja, em Montevidéu, essas mudanças ganham um sentido que vai além da biografia. A experiência de viver em lugares diferentes alimentou uma pergunta que atravessa sua pintura: como se constrói a sensação de estar em casa?

Antes de apresentar seu trabalho em galerias, Rubin já trazia uma experiência no mercado da moda. Em seu relato sobre o processo criativo, ela associa essa vivência ao olhar para as proporções, os recortes, as texturas e a combinação de cores. Cinema, dança e teatro também integram seu repertório, segundo a Artimage. São referências que ajudam a entender a atenção que ela dá à composição. Um recorte pode interromper uma forma, uma sobreposição pode sugerir profundidade e uma sequência de traços pode conduzir o olhar pela superfície como um gesto coreografado.

Sua trajetória expositiva ganhou circulação internacional. Em 2023, o currículo da artista registra apresentações em Lisboa e Portimão, em Portugal, além de uma participação na feira internacional de arte de Mônaco. Na Espanha, integrou duas coletivas da Monat Gallery, em Madri, em 2023 e 2024. Em março de 2024, apresentou suas pinturas ao lado da artista Inês Gato no Clube Nacional de Artes Plásticas, em Lisboa. A divulgação da mostra já destacava a relação entre a pintura abstrata de Rubin e sua busca pelo autoconhecimento.

Como Melina Rubin chegou à pintura

Rubin se apresenta como autodidata e descreve seu aprendizado como empírico, construído na prática. As fontes públicas dão mais detalhes sobre esse processo do que sobre a data ou as circunstâncias de sua primeira tela. Em seu depoimento à Saatchi Art, ela explica que experimenta técnicas de pintura abstrata para dar forma às sensações do cotidiano. Uma experiência que permanece difícil de colocar em palavras pode ganhar uma cor, uma textura ou uma relação entre formas.

Esse modo de trabalhar ajuda a entender a ligação entre sua experiência na moda e a liberdade que encontrou na pintura. O olhar treinado para equilibrar proporções continua presente, agora com espaço para que um gesto espontâneo mude a direção da composição. Uma cor pode ganhar mais área do que parecia pedir no início. Um traço pode atravessar uma região mais calma e alterar o peso visual de toda a tela. Em algumas fichas de obra, a própria artista descreve a experimentação com materiais e combinações cromáticas como parte da descoberta do que a pintura pode expressar.

O autoconhecimento aparece nessa pesquisa ao lado de temas como liberdade, bem-estar e relações humanas. A artista parte do que sente e observa, mas o trabalho se abre para experiências compartilhadas, como criar vínculos, atravessar mudanças e procurar familiaridade em um lugar novo. A abstração deixa essas experiências em aberto. Quem vê a tela pode se deter numa cor ou num gesto e associá-lo à própria memória.

A linguagem de Melina Rubin entre cor, gesto e textura

A pintura de Rubin alterna intensidade e contenção. Há composições em que cores vivas se aproximam, traços se cruzam e as camadas fazem o olhar circular pela tela. Em outras, a paleta se reduz e ganham importância o desenho, o contorno e a distância entre as formas. Vista em conjunto, sua produção mostra que o contraste pode acontecer tanto entre cores quanto entre maneiras de ocupar o espaço. Uma área carregada de marcas ganha outra força quando tem ao lado uma superfície mais silenciosa.

A matéria também participa desse ritmo. O acrílico sobre tela aparece com frequência, em alguns trabalhos combinado com pastel, carvão, grafite ou bastão de óleo. Cada recurso deixa uma marca diferente. Um risco de carvão ou grafite pode dar precisão a uma área mais livre. O pastel e o bastão de óleo permitem marcas de outra densidade, que se destacam sobre campos de cor mais amplos. A certa distância, percebe-se a composição inteira. De perto, aparecem encontros entre camadas, mudanças de pressão e pequenas interrupções que registram o gesto de pintar.

Há também uma alternância entre o gesto solto e a estrutura geométrica. Em algumas pinturas, a linha parece se mover antes que o olhar consiga fixar um centro. Em outras, as formas mais definidas criam intervalos, quase como pausas. É dessa alternância que vem parte da personalidade de seu trabalho. Uma tela pode parecer expansiva mesmo com poucos elementos, enquanto uma composição de muitas cores pode encontrar equilíbrio na maneira como elas se distribuem.

O que suas obras fazem com um ambiente

Uma pintura de Melina Rubin pode mudar o ponto para o qual o olhar se dirige ao entrar numa sala. Numa composição de grande formato, o campo de cor reorganiza a leitura da parede. Os móveis, a iluminação e os objetos próximos passam a ser percebidos em relação à tela. Um quadro horizontal pode acompanhar a extensão de um sofá ou aparador e dar continuidade à arquitetura. Uma composição vertical tende a levar o olhar para cima, valorizando a altura de uma parede, de um hall ou de um canto de leitura.

A escolha da paleta muda o tipo de presença que a obra assume. Num ambiente de madeira, linho e tons claros, uma tela com contrastes fortes pode concentrar a energia visual e dar profundidade a uma parede discreta. Em um espaço que já reúne cores e estampas, uma pintura de paleta reduzida pode criar uma pausa. As composições mais sutis também podem conversar com a arquitetura por meio da textura, da repetição de linhas ou de um tom que reaparece em outro ponto do ambiente.

A distância de observação também faz diferença. Numa sala de estar, a obra pode ser vista primeiro de longe, como um conjunto de massas e proporções. Num corredor ou junto a uma poltrona, a proximidade convida a perceber detalhes da superfície. Essa mudança de escala faz com que o quadro participe tanto da primeira impressão do espaço quanto da convivência diária com ele. Um detalhe que passa despercebido na chegada pode se tornar o ponto em que o olhar repousa toda vez que alguém cruza a sala.

A relação com o ambiente ganha um sentido particular na obra de Rubin. Para uma artista que associa seus deslocamentos à busca por pertencimento, a pintura é uma maneira de elaborar a experiência de habitar. Quando uma de suas imagens entra em uma casa, ela passa a fazer parte de outra história. Convive com os objetos que as pessoas escolheram, com a luz que muda ao longo do dia e com as lembranças de quem mora ali. É nesse convívio que uma pintura pode, aos poucos, mudar a maneira como se sente um lugar familiar.